Un poco de «empatía» con la mascota, "porfa"

Nuestra hermana nvts (EPD) siempre contaba que para la pobre Lula era la noche peor del año (junto con la del 31 de diciembre). Se refugiaba debajo de una cama y temblaba lo que no está escrito. Nuestro emocionado recuerdo para ambas, allí donde estén.

Cuadernos Arias, Soledad Sevilla y Eusebio Sempere

G.U. está contento de que el autor de Cuadernos Arias se acuerde de él, puntualmente cada mes, gracias a los siempre buenos oficios de M.C. Esta vez trata de Soledad Sevilla, una pintora que nos recuerda vagamente a la obra de Eusebio Sempere, uno de los fundadores del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Pero empecemos por Soledad. Hacemos un breve extracto de lo que leemos en Cuadernos Arias: 

«A lo largo de su carrera, la pintora Soledad Sevilla (Valencia, 1944) ha desarrollado un riguroso lenguaje basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas partiendo de módulos geométricos. A principios de los 70 estudió en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid después de finalizar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi en Barcelona. Desde ese momento su obra ya utilizará la geometría como una base normativa.

Soledad Sevilla, delante de algunas de sus obras de tipo geométrico

»Entre 1980 y 1982, realiza una estancia en Boston fundamental en el desarrollo de su carrera. Allí lleva a cabo, entre otros proyectos, las series Keiko, Stella y Belmont, compuestas por dibujos de líneas individuales, finas y ligeras que preconizaban la sensación de vibración tan característica de su pintura posterior.

Soledad Sevilla, Música de agua II (2012)
[Colección Marina y Jaume, Haciendo caminos; Buitrago de Lozoya]

»El Museo Reina Sofía organiza en 2024 una gran retrospectiva, Ritmos, Tramas, Variables, con un centenar de obras, que abarca desde sus primeros pasos en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid hasta sus producciones actuales. El 8 de junio de 2025 Soledad Sevilla ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando».

Soledad Sevilla, Ritmos, tramas, variables (2025)

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Una grande, Soledad Sevilla. Sigamos. Viendo su obra, nos surge en seguida el recuerdo de Eusebio Sempere, uno de los fundadores del Museo de Arte Abstracto de Cuenca. Empezamos con su pintura dedicada a junio, el mes que pronto acaba.

Eusebio Sempere, Paisaje de Junio (1965)
[Museo de Arte Abstracto de Cuenca]

A pocos se les ha ocurrido distinguir entre música "figurativa" y música "abstracta"; se da por sentado que la música no suele tener como objetivo el de reproducir o imitar fielmente los sonidos de la naturaleza, sino que crea, mediante sonidos armonizados según sus propias reglas, un producto artístico al que llamamos "música". Aunque uno se está metiendo en "camisa de 11 varas", porque de eso sabe mucho más F.C., pero se nos ha desconectado por unos días, esperemos que pocos (ha obrado cuerdamente).

Cuando abordaba la serie "Las cuatro estaciones", no pensamos que Eusebio Sempere pretendiera reproducir una naturaleza observada por él, sea el paisaje de un prado en primavera, o unos dorados trigales en verano, o un bosque en otoño, o el helor del invierno. En realidad, no sabemos bien qué pretendía, aunque sí sabemos que cuando trabajaba estos temas —con esas finas líneas al gouache (no como Soledad Sevilla, que ahora utiliza técnicas más modelnas)— se inspiraba poniendo una y otra vez en su  tocadiscos "analógico" Las Cuatro Estaciones, de Vivaldi. No era una mala opción...

Eusebio Sempere, Las Cuatro Estaciones, 1980 [Fundación March]

Allí plasmaba en cierto modo la luz, todas esas rayitas que se entrecruzan formando una trama y crean unos efectos sutiles de degradaciones del color; la luz entra como por las rendijas creando unas irisaciones leves, pero muy bellas, a nuestro modo de ver. Son obras individuales pintadas con gouache, "Primavera", "Verano", "Otoño", "Invierno", pero que en Internet las hemos encontrado agrupadas.

Compramos en el Museo de Cuenca una buena reproducción de estas obras de 1980, pero ahora no las encuentra G.U. por ninguna parte. No inquietarse: seguirá buscando. 

Recuerdos del verano de 1985 y música «New Age»

Hoy, a las 10:24 ha empezado el verano. 

Tal día como hoy, hace unos años, nos comentaba el ausente F.C. (ojalá vuelva pronto):

«Apreciar los momentos tranquilos, de buen vivir, el matiz... De esto se trata, y no complicarse la vida ni el pellejo, ni reclamar chutes de adrenalina ni siquiera sumergirse en aguas titánicas. No quiero que nadie me diga que tengo que salir de mi zona de confort». (F.C. dixit).

Ray Lynch, Celestial Soda Pop (1985), del LP Deep Breakfast

Pues bien, hoy, como entonces, G.U. ha vuelto a oír por el patio una música que hacía tiempo que no escuchaba y, claro, le han aflorado en cascada los recuerdos de unos momentos en que éramos más jóvenes y pensábamos que todo estaba por acontecer.  La relaciona sobre todo con el inicio del verano de 1985, en que estaba tan feliz por su primer año en el instituto de Ripollet, donde encontró unos compañeros que no olvida.

Una melodía sencilla y alegre que nos gustó mucho hará cuarenta años, cuando estaba en boga la música que llamaban New Age, utilizando sintetizadores, suponemos. Pues bien, sepan que lleva toda la mañana tarareándola sin parar. Le ha puesto súbitamente de un humor excelente, que buena falta le hace (no está per llençar coets precisamente —y piensa que no los lanzará pasado mañana—). Le ha resucitado hermosos momentos de entonces.  Aprovechamos para poner el vídeo, que es todo lo contrario de lo que reclamaba F.C. Aquí hay montañas altas, aguas titánicas, delfines saltarines, aviones...

 En fin. Desde este modesto blog, les deseamos que pasen ustedes un buen verano.

Sobre De Chirico, Hopper, faros (y Zapatero)

Giorgio de Chirico
Nostalgia del infinito, 1913

La imagen de la Nostalgia del infinito de Giorgio de Chirico nos ha traído hasta esta otra pintura de Edward Hopper. Es un secreto a voces que a G.U. le gustan mucho los faros (lighthouses, que queda más fino) y la pintura de Hopper, pero de éste hasta ahora sólo habíamos reproducido aquí aquellos personajes solitarios, detenidos en el tiempo.

Recordamos haber hecho varias entradas sobre el asunto, aparte de las de la gasolinera y las del bar (Gaz Station y Nighthaws). Eso no es raro, ya que no sólo nos gustan sus lighthouses. Quizá la más representativa, respecto a la soledad de los personajes, sea la titulada Las mujeres en los cuadros de Edward Hopper, de ahora hace un año.

Edward Hopper, Lighthouse Hill, 1927

Nos gusta mucho este cuadro, no sólo por representar un faro, ojo. Nos interesa la perspectiva en la representación, sus colores y el efecto de luces y sombras. La vista desde abajo arriba, la forma del monte, que se extiende ante el faro cual crestas de olas marinas, a causa de la luz. El efecto producido nos impacta y aproxima en cierto modo el cuadro de Hooper a la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, también a nuestro modo de ver (porque ya lo dan escrito antes otros más "expertos" que G.U.).

Lighthouse Hill en la actualidad

Se pueden localizar fácilmente imágenes actuales de los faros reales que pintó Edward Hopper, ya que todas son estructuras históricas icónicas de los Estados Unidos que siguen en pie y están excelentemente conservadas. La mayoría de estos faros están en las costas de Maine y Massachusetts (Cape Cod). Allí pasaba sus vacaciones.

Edward Hopper solía pintar al óleo, pero muchas obras suyas son acuarelas, como ésta.

Edward Hopper
Captain Upton's House (1927) / Pemaquid Point Lighthouse (1929) / Lighthouse and buildings (1927)

De que tengamos noticia, Edward Hooper pintó un total de doce obras que tuvieran como protagonista principal a los faros. En la mayoría de ellas no hay ni rastro de presencia humana, a diferencia de otras pinturas de Hooper. Una excepción es la del centro en la imagen superior. Como no queríamos abrumarles, las hemos agrupado.

Edward Hopper
Highland Light in North Truro (1930) / The lighthouse at Two Lights (1929) / Light between two lights (1927) 

Junto al faro de la imagen superior izquierda, en  North Truro (que está en Cape Cod, Massachusetts) hay un museo que cuenta con una sala dedicada a Edward y su esposa Josephine Nivison (también pintora), donde se exhiben fotografías de los lugares que retrató junto con sus pinturas, lo que nos permite comparar el lienzo con la realidad. Y la verdad es que esos sitios que pintó Hooper parece ser que los han protegido mucho.

Josephine dibujó mapas de la zona donde se encontaban esos faros que pintó Edward. 

Highland House Museum junto al Highland Light en North Truro, con pinturas del matrimonio Hopper

Edward Hopper, The Long Led and Lighthouse in Cape Cod (1935)

Esta es la única de las obras en las que se observa un faro a pie de playa, en una vista tomada desde el mar. Es quizá una de las imágenes más amables y "veraniegas" de las tomadas por Edward Hopper de esos lugares costeros (y de los urbanos, también).

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[Con esto cerramos el asunto por hoy. Quizá algunos de ustedes (pocos) se pregunten ¿cómo se le ha ocurrido a G.U. tratar este asunto ahora, precisamente? Pues bien: pensábamos en el hombre que afirmó hace un tiempo con gran énfasis que "el infinito es el infinito". Eso nos trajo hasta la obra de Giorgio de Chirico Nostalgia del infinito, de 1913, que encabeza esta entrada. Le encontramos cierta similitud con la obra de Edward Hopper Lighthouse Hill, de 1927. Y hablando de faros (lighthouses), hemos recordado que quien pronunció esa fase histórica (Zapatero) es el faro y referente etico y moral de la izquierda española (y mundial), por lo menos hasta ahora. Se verá en el futuro en qué queda todo esto. Dejemos trabajar a la UDEF y a la Justicia, aunque se lo pongan difícil].

Acerca de la Sagrada Familia

Según contaba Joan Bergós, biógrafo de Gaudí y gran amigo suyo, éste —que siempre veía más allá— le confesó, respecto a los arbotantes y botareles del gótico, esos que tanto le agradan a G.U. (séase en Notre-Dame o en cualquier otra catedral gótica):

Exterior de Notre-Dame (París) con sus arbotantes y botareles 

«El arte gótico es imperfecto, se encuentra a medio resolver; es el estilo del compás, de la fórmula, de la repetición industrial. Su estabilidad se basa en el apuntalamiento permanente de los botareles; es un cuerpo defectuoso que se aguanta con muletas. Una prueba de que las obras góticas son de una plástica deficiente es que producen la máxima emoción cuando están mutiladas, cubiertas de hiedra e iluminadas por la luna». (Gaudí dixit).

Catedral de Sevilla, vista nocturna

Joan Rubió i Bellver es probablemente el arquitecto del modernismo catalán que menos agrada a este bloguero, con cierta diferencia. No le seduce casi ninguno de sus edificios, ni siquiera la Casa Roviralta, el actual Asador de Aranda, donde se degusta un corderito espléndido. Pero era un buen dibujante, que trabajó con Gaudí en el taller mientras éste estaba en el embrollo de la Sagrada Familia. Y hubo un momento en que quiso traducir en una imagen lo que le explicaba Gaudí sobre cómo quería que fuera esa basílica.

Dibujo de la Sagrada Familia de Rubió i Bellver, interpretando las ideas de Gaudí

A partir de ahí se hizo una maqueta que, según tenemos entendido, se presentó en el Grand Palais de París en 1910. Aquella exposición fue impulsada por Eusebi Güell, su mecenas, con el objetivo de hacerle propaganda allí (por cierto, Güell era un empresario muy emprendedor, cuya familia —incluido su suegro— se había enriquecido gracias a la trata y comercio de esclavos, aunque él no fuera un negrero). Naturalmente, allí no había botarel alguno, esa "muleta" que aguanta "un cuerpo defectuoso", segun Gaudí.

Antoni Gaudí, Sagrada Familia
[Supermaqueta a E=1:25 presentada en París en 1910 / Maqueta de Papel por 5,92€]

Ahora la Sagrada Familia la podemos encontrar en maqueta por un módico precio, asequible a todos los bolsillos. Si fuera de chocolate casi daría ganas de comérsela como mona el lunes de Pascua. No nos referimos al interior, donde han hecho un trabajo muy meritorio para levantar eso, a juzgar por las fotografías y filmaciones que hemos visto; impresiona mucho, ciertamente, incluso el espacio interior creado. Sin embargo, visto el presuntuoso artefacto desde fuera... nos gusta bastante menos, la verdad.

En efecto, desde el punto de vista del paisaje urbano nos desagrada. Preferimos mil veces la imagen exterior de una catedral gótica. Pero no pensamos entrar en polémica, a sabiendas de lo emocionados que se sienten muchos. A cada uno le mola lo que le mola, y si se llena "de orgullo y satisfacción" por ese alarde, miel sobre hojuelas. Respecto a los creyentes que quieran ir a orar allí dentro, ni están ni se los espera.

No vamos a entrar en la desmesura de estos días, ya bien glosada por algunos blogueros amigos. Naturalmente, esto del Papa XIV ha animado a nuestras egregias autoridades a reavivar urgentemente el proceso para expropiar de sus viviendas a los habitantes de las dos manzanas entre las calles Mallorca y Aragón. Así se verá mejor la basílica desde la Diagonal. Esos vecinos ya pueden ir buscando piso en el extrarradio, porque aquí...

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Nivel avanzado: ADENDA (M.C. ya trató este asunto en su blog)

Las opciones posibles para esas dos manzanas (Mallorca-Valencia-Aragón)
[Imagen: M.C.]

Hay varias opciones. Uno es el que fija el planeamiento vigente. Frente a la fachada de la Glòria, la que dará a la calle Mallorca, nace una franja de 60 metros de ancho, equivalente al del paseo de Gràcia, que llega hasta la calle Aragó. Así, la entrada principal de la basílica podría verse a gran distancia, desde la Diagonal, ya que en este final ya hay un espacio abierto, la plaza Pablo Neruda. Esta solución obliga a derribar dos manzanas edificadas, en las que hay centenares de viviendas, comercios y talleres, además de algunas construcciones abandonadas. El Plan General Metropolitano (PGM) define este espacio como 17/6, que indica que es susceptible de convertirse en zona verde. Esta es la opción en la que trabajan los responsables de las obras de la Sagrada Família y la, al menos hasta ahora, preferida por el Ay Untamiento.

Plan General Metropolotano de 1976 / El bloque de viviendas de NN, uno de los edificios que se derribarían
[Imágenes: M.C.]

El conocido bloque de viviendas [denominado popularmente "los edificios de Núñez y Navarro" (NN) o la finca con los emblemáticos arcos donde está el restaurante Els Porxos] situado en la calle Mallorca 410-414, justo frente a la fachada de la Gloria, obtuvo su licencia de obras y comenzó a construirse en el año 1970 bajo la gestión del alcalde Enric Masó. El señor Josep Lluís Núñez (expresidente del Barça), un sujeto avispado, vio que podría haber problemas luego y apostó por el asunto. Tras un parón cautelar por disputas urbanísticas con el templo, los trabajos definitivos se reanudaron y finalizaron entre 1975 y 1976. Un informe ministerial desestimó temporalmente las reclamaciones de la Sagrada Familia, permitiendo que los edificios se terminaran por completo en 1976. Ese mismo año se aprobó el Plan General Metropolitano (PGM), el cual dejó la zona calificada formalmente como zona verde o de paseo, situando a estas viviendas en una situación de "afectación urbanística" permanente. Y en esas estamos.

Un modesto homenaje a David Hockney (DEP)

David Hockney, Mi madre en 1982

Es bien cierto que incluso los pintores del siglo XIX ya hicieron un cierto uso de la fotografía, pero esta práctica se divulgó mucho más recientemente como medio para lograr nuevos efectos plásticos.

En efecto, llegó un momento en que los artistas se valieron del medio de la fotografía para crear efectos que anteriormente estaban reservados a pintores. Este es el caso de David Hockney (1937-2026), que usó su vieja cámara Polaroid para obtener imágenes múltiples que nos recuerdan un poco a ciertos cuadros cubistas, como algunos de los de Picasso. El retrato que hizo de su madre es un mosaico de imágenes tomadas desde ángulos ligeramente distintos que al mismo tiempo registran el movimiento de su cabeza. Luego se ha visto mucho eso, pero él fue de los primeros en hacerlo.

David Hockney, Mis padres (1977)

Pero retrató a sus padres otras veces, como ésta de la Tate Gallery. A G.U. le gusta.

Un visitante delante de A Bigger Splash y A Lawn Being Sprinkled (1967) / [Fotografía: AFP]

David Hockney, A Bigger Splash (1967), en la Tate Britain / Toto Balaguer (Alamy Stock Photo)

David Hockney, Pool with two figures (1972)

David Hockney, Beverly Hills Housewife (1966)

Su obra The Splash (1966), una de las imágenes icónicas del Pop Art, se vendió el 11 de febrero de 2020 en una subasta en Londres por 24,11 millones de libras (28,60 millones de euros). La obra, pintada en acrílico sobre un lienzo cuadrado de 183 centímetros de lado, fue la estrella de una sesión dedicada al arte contemporáneo en la casa Sotheby's.

The Splash, de Davis Hockney vendido en Sotheby´s
[Daniel Leal-Olivas (AFP)]

Siempre relacionamos a David Hockney —por ser sus obras más conocidas— con esas piscinas azuladas, cuya superficie se interrumpe al lanzarse a ellas unos cuerpos invisibles, desaparecidos bajo el agua. Al llegar de Inglaterra —una tierra muy lluviosa— a California, donde no llueve casi nunca, le entusiasmó aquello. Alli vivió 25 años. Sus obras de aquella época son símbolos de placer hedonista, muy ligados al Pop Art, pero en el fondo quizá reflejan una indefinible melancolía; son imágenes un punto hieráticas, como detenidas en el tiempo. A G.U. le gustan.

Davis Hockney, Mr. and Mrs. Clark and Percy (1971)

Pero no sólo hubo piscinas en la pintura de Hockney. Sus cuadros se detuvieron también en numerosos interiores: habitaciones, estudios, ventanas, sofás, alfombras, plantas y objetos decorativos que parecen extensiones de quienes los habitan. Y gente hierática, distanciada, como en el caso de Shirley Goldfarb y Gregory Masurovsky, ella mirando al infinito tras el perrito, en el porche, y él... ¿quizá escribiendo una carta?

Davis Hockney, Modelo con autorretrato inacabado (1977)

David Hockney, Shirley Goldfarb y Gregory Masurovsky (1974)

Y no se olvidó nunca de hacer sus fotomontajes utilizando cientos de fotografías. Tiene muchos, le gustaba hacerlos, como el de París o el de la Ruta Estatal de California 138.

David Hockney, Zona de Fürstenberg, París (1985)

David Hockney, Pearblossom Highway (1986)

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David Hockney posa en la Royal Academie ante The arrival of Spring in Woldgate (2011)
[Fotografía: Facundo Ariizabalaga (EFE)]

En su obra tardía, Hockney se concentra en el paisaje. Primero fue en su Yorkshire natal, al que regresó en 2005 para pintar caminos, árboles, campos, lluvia y una luz cambiante que lo devolvía, también en sentido psicoanalítico, a los paisajes de su infancia. Y empezó a utilizar el Ipad como complemento del lienzo La llegada de la primavera en Woldgate. Como en estas obras: 

David Hockney en la muestra de 51 obras realizadas con Ipad / [Fotografía: Luis Alberto García]

David Hockney posa delante de Bigger Trees Near Warter (2007) 
 [Jeff Moore / Alamy Stock Photo (Alamy Stock Photo)]

Con más de 12 metros de ancho, el tríptico está formado por muchos lienzos como si fueran un gigantesco puzle. Hockney lo creó cuando tenía setenta años, demostrando que seguía explorando nuevos retos. La obra fue donada por el artista a la Tate Britain.

No sabemos lo que E.H. Gombrich diría ahora, con lo del Ipad y todo eso, pero lo cierto es que escribía hace ya muchos años en su afamada La Historia del Arte lo siguiente:

«Lo que estas tendencias recientes nos han vuelto a dejar en claro es que en arte, al igual que en vestimenta o decoración, hay vaivenes del gusto. Es innegable que muchos de los viejos maestros que admiramos, y hasta muchos estilos del pasado, fueron despreciados por críticos sensibles y bien preparados de generaciones anteriores. Así son las cosas. Ningún crítico ni historiador puede estar totalmente libre de prejuicios, pero creo que es erróneo sacar la conclusión de que los valores artísticos son completamente relativos. Bien es verdad que raramente nos detenemos a buscar los méritos objetivos de obras o estilos que no nos atraen a primera vista. Pero esto no demuestra que nuestras apreciaciones sean enteramente subjetivas. Sigo convencido de que somos capaces de reconocer la maestría en arte, y que este reconocimiento tiene poco que ver con nuestros gustos personales. A un lector de este libro puede gustarle Rafael y no gustarle Rubens, o a la inversa, pero el libro habría fracasado en su propósito si sus lectores no reconocieran también que ambos eran maestros muy destacados».

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Para acabar este breve homenaje, adjuntamos un vídeo de YouTube de la incansable Inés Vigo, con bastantes obras de David Hockney anteriores a su última etapa (DEP).

A León XIV le sale un serio competidor en Canarias

 DEDICADO A ORLANDO, QUE ESTÁ PLENO DE FERVOR Y ENTUSIASMO

[Madrid / Fotografía: EFE/Rodrigo Jiménez (9/6/2026)]

[Puerto de Arguineguín, Gran Canaria / Fotografía: Arcadio Suárez/Canarias7 (11/6/2026)]

La reaparición de Puchi: ¿hablará catalán León XIV?

«Que se vean las esteladas y que se escuchen las voces y los silbidos de protesta contra renacimiento del catolicismo franquista, opresor de minorías y cómplice de crímenes contra la humanidad. El catalán es la lengua propia de Cataluña, sin la que no se explica ni Gaudí ni la Sagrada Familia. Omella ha preferido hacer caso a Aznar («lo que pueda hacer, que lo haga») antes que ser fiel a la encíclica que acaba de publicar León XIV: «La promoción del bien común nunca puede separarse del respeto al derecho de los pueblos a existir, a custodiar su propia identidad y contribuir con su propia originalidad a la familia de las naciones. Cualquier intento o proyecto de eliminar o someter a una nación es gravemente inmoral y, por tanto, inaceptable». Rascas un poco, y el espíritu de la Inquisición Española aparece enseguida». @Pontifex

[Bueno, al respecto de la Inquisición Española que cita Puchi —un sujeto culto donde los haya— una pequeña acotación: El papa Gregorio IX creó la Inquisición pontificia en 1231. En 1232, el rey Jaime I de Aragón y el teólogo catalán San Raimundo de Peñafort impulsaron su aplicación en sus territorios. En 1249, el papa Inocencio IV consolidó legalmente el tribunal mediante la bula Inter alia. El asunto se debía a la expansión de la herejía de los cátaros. La institución respondía a intereses políticos y eclesiásticos de las élites, no a una petición del pueblo. La Corona de Castilla no adoptó esta institución medieval porque no tuvo focos de herejía cátara significativos. Su objetivo principal no eran los cátaros, sino perseguir a los judeoconversos sospechosos de judaizar en secreto. La Inquisición llegó a Castilla después,en 1478, mediante la bula Exigit sincerae devotionis del papa Sixto IV, solicitada directamente por los Reyes Católicos, n tampoco por el pueblo. Su objetivo principal no eran los cátaros, sino perseguir a los judeoconversos, un punto sospechosos].

Escribe Guillem Bota: 

«Llega León XIV a un país que no hay por dónde cogerlo, con un partido en el Gobierno al cual no le queda casi nadie limpio de corrupción y con unos ciudadanos cada día más pobres, aunque de vez en cuando pretendan convencernos de lo contrario con estadísticas, indicadores y números. Puestos a estar todos hundidos en la mierda, lo está hasta la prensa, que lo primero que le preguntó al líder de la Iglesia católica en el mundo, fue si es del Barça o del Real Madrid, así, dejando claro cuáles son los temas que más importan a los españoles. Tras preguntarle por su equipo de fútbol favorito, los hubo después que se interesaron por otra cuestión teológica fundamental: si cuando recale en Barcelona hablará en catalán».

Sobre «Corazón giratorio» y las «Ghost Estates»

Julia Schulz-Dornburg, Ruinas modernas; una topografía del lucro
[Àmbit Servicios Editoriales, 2012]

Los más "veteranos" que entran por aquí ya saben que a G.U. siempre le ha interesado el asunto de todas esas urbanizaciones que se construyeron en España al amparo de la burbuja inmobiliaria de la primera década de este siglo. Lo que se ha dado en llamar "Ruinas modernas". Hizo muchas fotografías de eso, pero ahora no las encuentra.

San Juan de los Terreros (Murcia), urbanización "Mar Tirreno" / [granuribe50, (12/9/2019)]

Urbanización Las Lamparillas, Fortuna Hills (Fortuna, Murcia) / [Fotografía: Julia Schulz-Dornburg]

Dimos cuenta de ello varias veces. Pero no pensábamos entonces que ese fenómeno fuera global. Sólo creíamos que en este país de pillos y sinvergüenzas todo era posible.

Urbanización Las Lamparillas, Fortuna Hills (Fortuna, Murcia) / [Fotografía: Xavier Ferrer Chust]

"Calle Melancolía" / [Fotografía: Inmaculada Martínez Moratalla]

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Sin ir más lejos, nunca se planteó G.U., persona poco informada, que Irlanda hubiera sufrido esa enfermedad, pero elevada al cubo. Con una diferencia importante: donde aquí se urbanizaba cualquier secarral, allí eran terrenos más verdecitos sin necesidad de riego artificial. Allí llaman a esas urbanizaciones fantasma Ghost Estates.

[Fotografía: Nicholas Grundy]

Ahora uno entretiene su tiempo leyendo buenas novelas que reflejan bien la Irlanda de entonces. Cierto es que allí se tomaron decisiones drásticas a partir de 2012: destruir todo aquello que fuera insalvable o no tuviera recorrido. Aquí, a día de hoy, uno viaja poco ahora por España y no sabe cómo está el asunto.

Donal Ryan, Corazón giratorio (portada)
[Sajalín Editores , 2019]

La novela que está leyendo, Corazón giratorio, de Donal Ryan, trata de eso. Utiliza 21 monólogos independientes que recuerdan vagamente a la novela Mientras agonizo, de William Faulkner (1930). Por tanto, no es un invento suyo esta manera de narrar, pero Ryan lo hace muy bien. En el caso que nos ocupa, cada vecino ofrece su propia perspectiva sobre los mismos hechos, logrando construir un mosaico humano "hecho de deshechos", valga la redundancia. Una gente que está hecha polvo, hablando en plata. Un hilo fino entreteje algunas de las historias, todas ellas un punto desesperanzadas.

Carriglas / [Fotografía: Nicholas Grundy]

Un Estado que apostó doble contra sencillo al crecimiento desbocado, el ansiado maná inmobiliario como alimento de salvación, el beneficio galopante que acabaría por llegar incluso hasta los bolsillos más modestos. Están bastante bien construidos estos breves monólogos. Mostramos dos fragmentos de uno de ellos:

[Donal Ryan, Corazón giratorio; Sajalín Editores, 2019; pág. 47]

Casi todos ellos modulan la expresión con acierto, según sea el personaje, formando entre todos un hilo argumental sólido y bien trabado, en nuestra modesta opinión. El estilo enérgico que recorre todos los monólogos refuerza el mensaje: son voces de cabreo, desconfiadas, cargadas de rencor que se dispara en distintas direcciones, sobre todo hacia el constructor huido y no sabemos si arruinado. Pero hay un cierto humor.

[Donal Ryan, Corazón giratorio; Sajalín Editores, 2019; pág. 48]

Nada más lejos de la intención de este bloguero la de recomendar ningún libro a unos lectores indeterminados. Y ni mucho menos una novela. Eso es un arma que carga el diablo. A cada uno le gusta lo que le gusta. Por tanto, se limita a dar constancia de lo que está leyendo actualmente, una época en la que no lo está pasando demasiado bien.

Ghost Estate en Irlanda, Los canales de Keshcarrigan / [Fotografía: Valérie Anex]

Battery Court / [Fotografía: Valérie Anex]

The Waterways (Castlebar) / [Fotografía: Chris Maddaloni]