lunes, 19 de febrero de 2024

Revisitando una obra de Gaudí

La finca que el señor Eusebi Güell, mecenas de Antoni Gaudí, tenía en el S. XIX en Barcelona (en la zona de Les Corts), por encima de la Diagonal, comprendía los terrenos del actual palacio de Pedralbes, de la facultad de Derecho y un amplio terreno en el que el propio Gaudí diseñó los conocidos como Pabellones Güell, con la vivienda del portero y unas caballerizas para guardar catorce caballos. 

Antoni Gaudí, Planta y sección de los Pabellones Güell (1884) [Del libro La lección de Gaudí, Carlos Flores]
 Hito con la inicial de Gaudí y fecha [granuribe50]
G.U. conoció bien dichas caballerizas porque albergaron hasta 2008 la Catedra Gaudí, de la que era titular el arquitecto Joan Bassegoda (en la imagen inferior) —un erudito de la obra de Gaudí—, ya que en ese lugar estuvo realizando en los años ochenta un trabajo de doctorado propuesto por él.
Joan Bassegoda trabajando en 2006 en la Cátedra Gaudí, situada en las caballerizas / [Wikipedia]
Ayer tuvo ocasión de volver allí porque, aunque está en fase de rehabilitación, los sábados se puede visitar la zona donde estaba situada la cátedra. La que era la entrada principal de la finca, orientada al norte, tiene como cierre la espectacular puerta del dragón, también diseñada por Gaudí.
Puerta de acceso a los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)]
Puerta de acceso a los Pabellones Güell (detalle) / [granuribe50 (17/2/2024)]
El conjunto está formado por dos pabellones: la portería y las caballerizas, que constan de cuadra para los caballos y picadero. La obra data de 1884. La cuadra es de planta rectangular, cubierta con una serie de bóvedas tabicadas sustentadas por arcos transversales parabólicos que anticipan ya los pasillos del colegio de las Teresianas y el desván de La Pedrera. En los boxes para los caballos, Bassegoda tenía situadas las vitrinas de la bien surtida biblioteca de la cátedra, dotada con unos libros increíbles.

Antoni Gaudí; interior de la cuadra de las caballerizas de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)]
Antoni Gaudí; interior de las caballerizas de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)]
Antoni Gaudí; interior de las caballerizas de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)]
El picadero es de base cuadrada que se achaflana en las cuatro esquinas, dando lugar a un octógono sobre el que se dispone una cúpula de revolución, con linterna, tambor de luces y cupulino. Todavía no ha sido rehabilitada la bóveda, aunque también se puede visitar ese espacio.
Antoni Gaudí; linterna y bóveda del picadero de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)]

Antoni Gaudí; picadero y cuadra de las caballerizas de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)] 
El exterior está inspirado en temas orientales y en el arte mudéjar y nazarí, a la sazón tan en boga. Gaudí emplea con creatividad el ladrillo, con gran profusión de azulejería, cartelas de ladrillo visto, remates en forma de templete o cúpula, etc. En fin, esperaremos a que acaben las obras para volver.
Antoni Gaudí; exterior delas caballerizas de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)] 
Antoni Gaudí; exterior delas caballerizas de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)] 
Antoni Gaudí; exterior de las caballerizas de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)] 
Antoni Gaudí; exterior de las caballerizas de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)] 
Antoni Gaudí; exterior de las caballerizas de los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)] 
Antoni Gaudí; cubiertas de los Pabellones Güell, con las bóvedas tabicadas / [Fotografías: Carlos Flores]
[Del libro La lección de Gaudí, Carlos Flores, Ed. Espasa, 2002]
Nos despedimos del amenazante dragón, quizá lo más conocido de este lugar, y nos vamos por donde hemos venido, con un poco de nostalgia por aquella época en que G.U. estuvo un mes allí, haciendo un trabajo para el señor Bassegoda y consultando su extensa biblioteca. Algún día hablaremos de aquello.

No sabemos a qué se dedicará este espacio en el futuro, quizá solo a visitas, que es lo que da dinero. Tampoco sabemos en qué quedará la restauración de los interiores, si se dejará visto el ladrillo de las bóvedas o no. En cuanto a los jardines, muy descuidados ahora, a ver qué pasa con ellos, si hacen algo. En fin, cuando acaben las obras ya se podrá visitar la vivienda del portero. Hasta entonces...
Puerta de acceso a los Pabellones Güell / [granuribe50 (17/2/2024)]

sábado, 17 de febrero de 2024

El Renacimiento y la perspectiva central

Filippo Bruneleschi (1377-1446) no solo está considerado como el iniciador de la arquitectura del Renacimiento, firmemente asentada en la antigüedad clásica que él estudió a fondo. A él debemos también, a principios del S. XV (o Quattrocento), el descubrimiento de la perspectiva cónica, un recurso que les daba a los pintores los medios matemáticos para conseguir la ilusión de profundidad tan deseada; un sistema geométrico por el que se consigue que los objetos disminuyan de tamaño conforme se alejan de nosotros, de manera que tramos iguales se vean progresivamente más juntos.  

Simplificando mucho el asunto, porque el invento es bastante complejo, consta en esencia de una línea de horizonte y uno, dos o más puntos de fuga. En la perspectiva cónica central que ahora nos ocupa hay solo uno y está situado enfrente del espectador, a la altura de su punto de vista y sobre la línea de horizonte. Las líneas que son paralelas en la realidad convergen hacia el punto de fuga en la pintura, excepto la parte frontal, que se ve sin deformación. Cuanto más bajo esté situado el punto de vista, más baja está situada esa línea de horizonte en la que está contenido y viceversa. Este es el caso de la fotografía de la Capilla Pazzi, en Florencia, una obra espléndida del susodicho Bruneleschi. 

Bruneleschi, Capilla Pazzi (1429-1442), Florencia 

El primero en aplicar el invento fue su amigo Masaccio, hacia 1428, en un fresco titulado Santísima Trinidad, situado en la iglesia de Santa María Novella, de Florencia. No resulta difícil imaginar la sorpresa de los fieles florentinos al ver esa pintura como una especie de hueco abierto en la pared y ya no como algo absolutamente plano como las pinturas que conocían hasta entonces. Pero no solo los fieles. Sin duda pasaron muchos pintores por allí para verla y "tomar nota".

Masaccio, Santísima Trinidad (fragmento),1428
Santa María Novella, Florencia 

Ya en el XVI, a Sebastiano Serlio (uno de los que sistematizó los órdenes arquitectónicos clásicos) le interesó mucho el hallazgo y en Alemania a Alberto Durero, que hizo sus propios estudios sobre el tema de la representación del volumen en el plano. Para ello inventó el ingenioso artilugio de la imagen, en el que es imprescindible mantener el ojo fijo en la punta de ese pequeño obelisco, sin cambiarlo de lugar.

Sebastiano Serlio, Escena Trágica, grabado, Il secondo libro di prospettiva,  Bolognese, Paris 1545
Alberto Durero; grabado "Dibujando a una mujer yacente"

El caso es que a lo largo de los siglos XV y XVI los pintores del Renacimiento se dedicaron en sus cuadros a profundizar en este recurso, con lo que consiguieron dar profundidad (valga la redundancia) a sus obras. Ucello, Piero della Francesca, Rafael, Il Perugino, Leonardo da Vinci, en fin, casi todos se apuntaron al invento con gran entusiasmo. Ponemos cinco ejemplos, pero hay muchísimos más, claro. 

Ucello, El milagro de la hostia profanada (1467), Palacio Ducal de Urbino
Il Perugino, Entrega de las llaves  a San Pedro; El Vaticano, Capilla Sixtina, (1481)
Piero della Francesca (?), La ciudad ideal (1475), Urbino
Rafael Sanzio, La Escuela de Atenas (1510), El Vaticano
Leonardo da Vinci, La última cena (1498), Santa Maria delle Grazie, Milán
Pero la influencia de este recurso de la perspectiva cónica central se ha prolongado a los largo de los siglos, más allá del Renacimiento, como muestra esta magnífica obra de Canaletto, ya en el S. XVIII.
Canaletto, Plaza de San Marcos (1724), Venecia. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

martes, 13 de febrero de 2024

«De gustibus et coloribus non disputandum»

Como diría un clásico. O «sobre gustos y colores no hay nada escrito». A raíz de una entrada de F.C., en la que hace un listado bastante exhaustivo de las músicas de América que detesta, que resultan ser casi todas, G.U. rompe una lanza en favor bastantes de ellas, lo que ocurre es que le da bastante pereza enumerarlas ahora por géneros o estilos. Pero «puedo prometer y prometo» que lo hará. 

Sin embargo, aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid y por Burgos el Arlanzón, vamos a beneficiarnos hoy de una intervención de Daniel en su blog "Correcaminos" en la que se muestra de muy buen humor. Inserta en ella el clásico del rock and roll, Johnny B. Goode (con su letra original y traducida), cuyo autor es Chuck Berry, todo un "monstruo", que fue determinante junto con algunos otros de su generación (como el aseado Budy Holly) en lo que vino después en el mundo del rock.

Pues bien, Esa música nos ha estimulado para poner aquí un ejemplo entre los muchos que nos gustan. Y al que no le agrade, no le pensamos "poner como chupa de dómine", ni incluso a meterle un dedo en el ojo, como bien dice F.C. Pero, en lugar de un tema tan movido como el que publica "Correcaminos", proponemos uno más tranquilo que sugiere uno de los comentaristas a su entrada.

Se trata de un blues de T-Bone Walker, con esos acompasados compases (valga la redundancia) tan propios del género. Está interpretado por un sudoroso Chuck Berry, con unos acompañantes de lujo, como los grandes Eric Clapton y el Rolling Stone Keith Richards a las guitarras, más el piano (Johnnie Johnson), órgano  (Chuck Leavell) y batería (Steve Jordan). El bajo no sabemos a cargo de quién corre.

viernes, 9 de febrero de 2024

"Zorra" y Eurovisión

Se va acercando la noche de esa pesadilla anual que es Eurovisión, un festival cada día más imbécil, una mamarrachada que no tiene nada que ver ni con el estado actual de la música pop ni con nada y que solo ve el público gay y algunos nostálgicos de los heroicos tiempos del la la la de Massiel, además  de varios seguidores de este blog (verbigracia: Miquel y F.C., entre otros).

El caso es que en España ya eligieron en Benidorm la canción que nos representará (no a G.U.). Responde al bonito nombre de "Zorra". En su actuación aparecían dos sujetos en tanga y corsé, mientras una señora rubia entonaba varias estrofas absurdas. Pero la susodicha rubia farda en las entrevistas de haber dado un nuevo significado al término "zorra", que a partir de ahora no es lo que pensábamos sino que ya es un sinónimo de mujer libre y empoderada. Todo ello bastante cutre.
Nebulossa interpreta 'Zorra' en el Benidorm Fest / EUROPA PRESS
España es un país cada día más tonto. Entre otras cosas, nos estamos especializando en polémicas idiotas, no dejamos pasar ni una. Ahora tenemos a las diferentes alas del feminismo peleadas entre sí por tan banal asunto, mientras nuestros gobernantes se dan con un canto en los dientes y se muestran satisfechos con la canción. Según nuestra actual ministra de Igualdad, una tal Ana Redondo, y el señor Sánchez, la canción elegida es una cumplida muestra del feminismo "divertido y provocador". Tanto es así que este último ha salido por TV para decir que a él le gusta mucho esa canción, pero lo que ocurre es que la gente de la "fachosfera" hubiera preferido que RTVE enviara a Eurovisión el "Cara al sol".

¡Caramba, amigo Sánchez!, te has pasado un pelín una vez más, como si entre la "Zorra" y el "Cara al sol" no hubiera estadios intermedios. En fin, todos nuestros mandamases dando vivas a esta estúpida cancioncita, que se dedica a impostar un feminismo más falso que Judas. Pero no se puede decir nada en contra, porque te envían directo a la susodicha "fachosfera", ya saben ustedes, ese ominoso club al que están adscritos aquellos de derechas, izquierdas y mediopensionistas que no comulguen con los tejemanejes urdidos por nuestro presidente, ojo, siempre "en aras del progreso y la convivencia". 

En fin, G.U. se mantendrá, como cada año, alejado de la televisión y de ese festival hortera, cutre, ruidoso, ridículo y absurdo, en su opinión. Por tanto, no esperen de él una crónica sobre este asunto.

miércoles, 7 de febrero de 2024

Dos monstruos del jazz "frente a frente"

Vamos a cambiar de tema, porque el de la última entrada nos solivianta un poco. Vamos pues a ello: 

G.U. no suele escuchar jazz como música de fondo mientras lee un libro o cocina. Cuando pone un disco de ese género, le gusta seguirlo con atención. Pero lo hace últimamente pocas veces; en parte porque se le "murió" su viejo tocadiscos, que sonaba tan bien, y en parte... no sabe por qué. Dentro del jazz, le gusta especialmente la formación en trío, piano, contrabajo y batería (o guitarra eléctrica). 

En ese tipo de conjunto, aprecia especialmente los grupos que formaron los pianistas Oscar Peterson  y Count Basie. Y sobre todo las composiciones que se basan en el blues, que es casi siempre un punto repetitivo, melancólico y lento. Con estos ingredientes, nada mejor que a ver y escuchar a ambos, Oscar Peterson (1925-2007) y Count Basie (1904-1984), colaborando uno enfrente del otro en una sesión. Se intuye que están disfrutando muchísimo en ella. Nos hemos encontrado esta interpretación de Slow Blues navegando por Internet. Pertenece a una actuación en directo en la BBC, de 1980.  Así lo preservamos en el recuerdo, si es que no nos lo eliminan, como ha sucedido con otros vídeos. 

viernes, 2 de febrero de 2024

Zapatero y "La Yoli" no descansan.

Cuando perdió las elecciones en 2011, Zapatero podría haber optado por un prudente silencio, pero, en vez de eso, se empeñó en convertirse en el perejil de todas las salsas. Se hizo muy amiguito de Maduro y últimamente se ha convertido en asesor de cabecera y presidente de honor del selecto club de fans de Pedro Sánchez. En un reciente mitin del PSOE nos entretuvo y divirtió con aquella famosa y ya casi mítica disertación sobre el infinito, en la que afirmaba algo que ignorábamos hasta entonces, a saber: que «el infinito es el infinito». Quizá la recuerden, porque fue muy comentada en su día. 


Hoy ataca de nuevo, en una entrevista concedida a La Vanguardia. En ella utiliza su mejor tono didáctico, similar al empleado en la charla sobre el infinito, pero sin ahorrarse poner una voz enérgica y contundente para subrayar los puntos fuertes de su argumentación. Aquello de que nadie está por encima de la ley, la independencia del poder judicial y lo que dice el Código Penal son cosas del pasado.

Ambos dos sujetos, el expresidente Zapatero y el presidente Sánchez, les dan el carpetazo definitivo. Los libros de leyes, las enseñanzas en la facultad de Derecho o de Ciencias Políticas y los juristas deben recibir esta actualización que les brinda Zapatero, padre espiritual del sanchismo y de su "fachosfera", ese ominoso club en el que se pretende encuadrar a los que no comulgan con todos esos oscuros cambalaches. [Algunos van a ofenderse, es natural, ya pasó en Catalunya cuando empezaron a calificar de "facha" al  no procesista, pero a la larga casi se convirtió en un elogio. ¿Ocurrirá lo mismo ahora?].
    

Toca obedecer los dictados del fugitivo de Waterloo, redactor junto a sus abogados de una buena parte de la Ley de Amnistía que ahora rechaza (porque aún no le garantiza la total impunidad). "Una gran ley que mejorará nuestra convivencia", según proclama el disciplinado ministro de Justicia, un tal Bolaños.




Entre tanto, "la Yoli", esa que se ríe siempre, aunque no sabemos de qué, visita nuevamente al papa Francisco, quien viene a ser una especie de Zapatero bis. Ya tuvieron un simpático encuentro en diciembre de 2021, del que dimos cumplida cuenta en este blog, en la entrada Entrañable encuentro entre el Papa y Yolanda. ¿Por qué va tan a menudo al Vaticano? ¿Qué se trama, si se trama algo? Tampoco lo sabemos, ni sabemos por qué el Papa tiene que dar su visto bueno a la reducción de la jornada laboral en España, si es ese el motivo del viaje. Se supone que estárá de acuerdo, sorprendería lo contrario. Pero si es solo eso, para ese viaje no hacían falta alforjas, Yoli.
[Tu Guía Fashion / granuribe50]
En fin, casi más vale que se dedique a los pases de moda, que se le dan bien, dado que su partido está en modo naufragio (cero points), al menos en Galicia. Aquí, en una presentación de Purificación García (PG), luce un vestido de manga abullonada, corte pareo y drapeado, en tejido satinado, gafas Guess GU9216 52F de montura cat eye y zapatos de Úrsula Corberó, con abertura delantera y plataforma.

martes, 30 de enero de 2024

Del "Concierto en la azotea" de Los Beatles, en 1969

Le comentaba a G.U. su hermano hace unos años, un 30 de enero: «Vista con la perspectiva que da el tiempo transcurrido, la carrera de los Beatles fue realmente corta; empezó, si no recuerdo mal, hacia 1960 (1962 con su formación definitiva) y terminó en 1969. Y no se volvieron a reunir nunca más (que yo sepa). Corta, pero intensa y productiva, dejando detrás de sí un puñado de obras maestras».
El Concierto en la Azotea, de los Beatles, en la azotea del edificio Apple (Londres)
[30 de enero de 1969]

Pues sí, el viejo abuelo Cebolleta G.U., que fue en su día un gran fan de Los Beatles, hace cuentas y le han pasado exactamente 55 años. Recuerda perfectamente el año en que se separaron, aquel mítico 1969, y también este concierto en la azotea. Le parece mentira que haya transcurrido tanto tiempo...

Leíamos en una revista:

«30 de enero de 1969, 12:00 pm – En la azotea del edificio Apple, en Londres, los Beatles ofrecen su última actuación en directo, que formó parte del final de la película Let it be. Esa mañana Mal Evans y Neil Aspinall montaron los instrumentos como antaño y los Beatles, con Billy Preston, se instalaron en la azotea del edificio Apple en Saville Row, Londres. El tráfico se embotelló, ya que una multitud de gente aprovechó la hora del almuerzo para reunirse en la acera frente al edificio, y todas las ventanas y azoteas cercanas se llenaron rápidamente con oficinistas del West End, que tuvieron una vista privilegiada del ultimísimo concierto de los Beatles. La policía trató de pararlo, pero los guardias de seguridad de la puerta de Apple, de un lado, y del otro la resistencia de la policía a tirar del enchufe en un acontecimiento tan extraordinario, hicieron que el grupo tocara durante cuarenta y dos minutos». 

Bien, si entre los que siguen esto hubiera o hubiese algún recalcitrante "beatleliano", aquí va Get Back, en su primera intentona. Luego hicieron alguna más. 


Y, de propina, Don´t Let Me Down, en aquel útimo concierto que dieron antes de separarse.


viernes, 26 de enero de 2024

Myrurgia, Antoni Puig Gairalt y Art Déco

Ya habíamos hablado de esto hace algún tiempo. Pero, a raíz de una entrada de Miquel Cartisano, en la que publicaba un proyecto de Antoni Puig Gairalt, y de un comentario de F.C. sobre la fábrica Myrurgia que diseñó el susodicho arquitecto, a G.U.le ha parecido oportuno retomar el asunto. Vamos a ello.

En la Exposition International des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de París, de 1925, los perfumes de Myrurgia obtuvieron una medalla de oro. Había conseguido otra Rafael de Penagos, quien quizá fuera el más fiel exponente de estilo Art Déco en España, sobre todo en lo referente a la ilustración de la moda. A él dedicamos en su día una entrada titulada Art Déco y Rafael de Penagos.
Esteve Monegal. Recolectora (1914); Dona que es pentina (1914)
Pero vayamos al principio. El caso es que el fundador y director general de la empresa Myrurgia fue Esteve Monegal (1888-1970), un buen escultor, que había sido discípulo de Josep Clarà en el París de 1911. Cuando regresó a Barcelona, al año siguiente, se integró en diversas agrupaciones artísticas y empezó a realizar entonces su obra más significativa, en un estilo marcadamente noucentista.

Pero en 1917 le cambió totalmente la vida, ya que tuvo que hacerse cargo del negocio familiar de perfumería, al que bautizó con el sugerente nombre de Myrurgia, una palabra que nos trae resonancias antiguas a muchos de nosotros. Por si no lo saben —(G.U.) se ha enterado poco antes de escribir este texto— ese nombre está tomado a partir de las palabras myron (esencia, ungüento) y ergon (trabajo, industria). A partir de entonces, Esteve Monegal devino en un empresario de gran éxito, al tiempo que se le acababa para siempre su vida bohemia anterior, la de artista.

Fábrica Myrurgia (Antoni Puig Gairalt, 1928) / Original publicitario Jabón Sales de Tesalia; tinta china, gouache y acuarela (Eduard Jener, 1921)
Además de otros muchos aciertos, Esteve Monegal tuvo la visión de contratar a buenos colaboradores. Entre el personal artístico estaba, entre otros, el pintor Eduard Jener (1882-1967) ejerciendo de ilustrador publicitario. El éxito en la Exposición de París de 1925 antes citada fue enorme y las ventas se dispararon por todo Europa, lo que llevó a levantar un nuevo edificio, una fábrica situada en la calle Mallorca cerca de la Sagrada Familia, que diseñó en 1928 el arquitecto y músico Antoni Puig Gairalt (1887-1935). Se trata un edificio estupendo, en un estilo entre racionalista y Art Déco (Art Decó o Art Deco, también se lo llama), y que aún existe, ya que está catalogado patrimonialmente. 
Fábrica Myrurgia (1928); Axonometría
Fábrica Myrurgia (1930), Antoni Puig Gairalt, (arquitecto) / Entrada, detalle vestíbulo y escalera
Fotografía: Lluís Casals
Lo compró en 2000 el grupo Puig para acabar vendiéndolo a otra empresa, por lo que G.U. no sabe si aún se conservan y pueden visitarse los interiores. Este año se instalará allí un nuevo centro de servicios sociales, para lo que el Ay Untamiento anuncia que se extraerá el material existente en el interior de la antigua fábrica Myrurgia. Quién sabe si esos bancos ya los hemos visto bastante...
Fábrica Myrurgia (1930), Antoni Puig Gairalt, (arquitecto) / Banco y planta superior asomada al vestíbulo



A continuación, algunos anuncios publicitarios de Myrurgia, elaborados por el citado Eduard Jener.

Eduard Jener; originales publicitarios de Polvos Maderas de Oriente (lápiz, tinta china y gouache sobre papel) / (1929-1932)
Proyecto original para un anuncio publicitario / Reproducido en Estampa, Madrid, septiembre de 1933
Eduard Jener, Original publicitario Orgía (1920-1930)

jueves, 25 de enero de 2024

El Ath. de Bilbao nos da una alegría

Captura de pantalla de elcorreo.com / granuribe50
De un fragmento de Los Borrachos (El triunfo de Baco), 1629 / [Velázquez — granuribe50]
Museo del Prado (Madrit)

martes, 23 de enero de 2024

Hoy hace ya veinticinco años

G.U. no se cansará de repetirlo. Su madre nunca perdió su ángel de mujer-niña, ni tampoco su belleza. Su alegría y su armoniosa manera de estar en el mundo la protegieron de todos los sinsabores que le tocó vivir, que fueron muchos. Era una mujer decidida y valiente.
La verdad es que estar con "Patiña", así la llamábamos, era una bendición, y disfrutamos de ese privilegio hasta la madrugada del 23 de enero de 1999, ahora hace veinticinco años, justamente a esta hora. Murió sin molestar, sin haberse creado ningún enemigo y sin haberle negado nada nunca ni a nuestro padre ni a nosotros ni a sus nietos ni casi a nadie.

Sin embargo, más aún que su belleza, allí estaba su bondad alegre y tierna, esa bondad que la sustentaba y que era la esencia de un alma sin recovecos, siempre optimista. En fin, siempre pura y centelleante, como sus ojos, como su risa, como su humor, como sus imitaciones impagables de la gente a la que consideraba algo grotesca... DEP.


martes, 16 de enero de 2024

Sobre el libro "Arte deteriorado", de F.C.

Que Francesc Cornadó es un apasionado del mundo de la Grecia clásica en general y de sus cánones de belleza en particular (desde la época de Pericles hacia nosotros) es un secreto a voces. Lo saben los que lo siguen en su blog o en comentarios que hace en otros ajenos. Ahora acaba de publicar un libro estupendo, muy bien escrito y editado, en el que se atisban con cierta claridad sus preferencias.

Nos habla en él del poder de lo omitido en las obras de arte que nos han llegado deterioradas. No en vano el libro se titula Arte deteriorado (SD·EDICIONS). Y en él hay un capítulo dedicado a la estatuaria griega, con sugerentes comentarios sobre el Torso de Apolo Arcaico (480-470 a. C.), al que dedicó un hermoso poema Joan Margarit, el Auriga de Delfos (474 a. C.), con claras referencias al dórico, y, por supuesto, la Venus de Milo, de época ya helenística (una de las esculturas preferidas de un servidor, que la copió hasta la saciedad al carboncillo en sus lejanos tiempos de estudiante).

G.U., cuando tiene ganas y estímulo suficiente, toma nota con pluma de algunos párrafos que le llaman la atención en sus lecturas. En esta ocasión escribió esto, tomado de ese capítulo de Arte deteriorado.
Francesc Cornadó, Arte deteriorado, SD·EDICIONS, pág. 33 / [granuribe50]
Y continúa F.C.:

«Hemos interpretado la antigüedad grecorromana a partir de unos vestigios nobles que han despertado nuestra imaginación. Nuestra capacidad imaginativa ha idealizado unas obras que no hemos conocido en su completitud. La imaginación tiende a crear una realidad siempre bella y más satisfactoria que la que tenemos ante nuestros sentidos.

A partir de unos restos tamgibles somos capaces de desplazarnos a un ideal que aspira a lo infinito, un lugar quizá de desánimo, pero que, gracias a nuestra imaginación, capaz de completar unos miembros mutilados o un frontón dórico, lo sustituimos por una ilusión que siempre se renueva. Esta es la fuerza vital del arte deteriorado, y esta es también la fuerza del arte clásico.» [...] 

Lo que nos ha sorprendido y quizá nos ha costado más asimilar del libro es su arriesgada defensa de la "restauración" del Cristo de Borja, perpetrada por doña Cecilia Giménez Zueco, una vecina del pueblo, equiparándola a algunas obras de los expresionistas alemanes de más nivel, tales como Egon Schiele o Emil Nolde. Si ven el vídeo que insertamos más abajo, él mismo, con cierta sonrisa irónica, comenta que en Borja están muy contentos con esa obra (ya que los turistas acuden "a cascoporro" a verla). 

En fin, no nos enrollamos más. Qué mejor que el propio autor, F.C., para explicarnos aspectos de ese libro, que no puede faltar en sus estanterías, apreciados seguidores. ¡Dentro vídeo!





También es un secreto a voces que G.U. es un fan de Fidias, el escultor que trabajó en las metopas, los frisos y los dos frontones del Partenón de la Acrópolis de Atenas. Señalemos que en aquella época los escultores no se contaban entre las clases intelectuales de la ciudad; los griegos acomodados, los filósofos y los poetas los consideraban unos simples artesanos, situándolos en un plano algo inferior.

Hacia 1800, como sabrán, un sujeto inglés llamado Lord Elgin, que era a la sazón embajador en Constantinopla, utilizando sus artes diplomáticas y una cierta dosis de engaño, consiguió llevarse bastantes esculturas para Londres; tras pasar un tiempo sin destino, fueron ubicadas finalmente en el British Museum. Elgin contaba con muchos defensores de esa especie de expolio, pero también con algunos detractores, entre los que destacaba el poeta inglés lord Byron, que escribía indignado:

«Ciegos están los ojos que no vierten lágrimas mientras ven, oh amada Grecia, tus sagrados objetos saqueados por profanas manos inglesas que han herido una vez más tu dolorido seno y han arrebatado tus dioses, dioses que odian el abominable clima boreal inglés».
Cuadro que representa los mármoles del Partenón en una sala temporal de Elgin, en 1819
British Museum / [Archibald Arher]
Justo es decir que, por avatares diversos que no vienen ahora al caso, en el Partenón estaban en una situación de gran abandono. Desde entonces se han mantenido sin más deterioro perceptible, aunque en unas salas muy escasamente evocadoras. ¿Qué hubiera pasado con ellas de no haberse metido por medio el susodicho Lord Elgin? Nunca lo sabremos. ¿Volverán a Atenas algún día? No lo sabemos.
Fidias. Frontón Este del Partenón de Atenas; parte izquierda (British Museum) / [Daniel Leal / granuribe50]
British Museum, Room 18
Fidias. British Museum, fragmento del friso este del Partenón de Atenas

lunes, 15 de enero de 2024

Fútbol: se invierte el resultado Madrid-Barça

Gracias a los buenos oficios de un bloguero al que sigue G.U, nos llega recién salida del horno una noticia "de alcance". Se refiere al cambio del resultado de la final Real Madrid-Barça, jugada en Arabia Saudita (y celebrada allí gracias, presuntamente, a los negocietes de Piqué y Rubiales). En primera instancia la había ganado el Madrid por 4-1 (perdonando al Barça lo que llaman "una manita", 5-1).

Pues bien, quizá merced a los pactos postelectorales del PSOE con Puigdemont firmados en Bruselas y a los frutos de la "mesa de negociación Estado-Estado", entre Sánchez y el Petitó de Pineda, se procede a invertir el resultado de ese partido, que pasará a ser oficialmente el de Reial Madrit 1- Barça 4

Esto ya pasa de castaño oscuro. Todo lo que mencionamos abajo es para conservar la "silla gestatoria":

No contento con mentir a los votantes y ocultarles lo que iba a hacer; con ningunear a los catalanes que no son procesistas; con ceder a los chantajes de un fugitivo; con amnistiar a gente que cometió gravísimos delitos —que nos afectaron mucho a muchos—; con ceder todas las competencias a unos incompetentes de tomo y lomo, que gastan el dinero en lo que no deben y no lo gastan donde debieran—cada competencia cedida es una incompetencia más que asumen aquí—; con hacer ver que regala la gestión de la inmigración a unos presuntos xenófobos (quizá sea un engaño, es competencia estatal y no se puede hacer), con ejercer de trilero, etc., en fin, ahora viene lo de pretender cambiar el resultado de los partidos por Decreto-Ley para que gane el Barça. Sí; es todo en aras del "gobierno de progreso", la "reconciliación" y demás eslóganes, pero esto último es ya absolutamente inaceptable.

G.U. convocará en breve una manifestación de protesta en el paseo de Gracia de Barcelona.

domingo, 14 de enero de 2024

"Misiones Pedagógicas"; "Museo del Pueblo" (1931-1936)

Ordenando libros —una ardua tarea, vive Dios—, apareció ayer uno que compramos en Madrid hace ya unos años en nuestra visita a la "Residencia de Estudiantes". Está dedicado a las llamadas —durante la República— "Misiones Pedagógicas", que estuvieron "operativas" entre 1931 y 1936. Ese libro se había quedado relegado por otras adquisiciones; es muy bueno y contiene muchísima documentación.

Portada de Misiones Pedagógicas 1931-1936
[Ed. Residencia de Estudiantes]

Las "Misiones Pedagógicas", como sabrán muchos de ustedes, fue una iniciativa llevada a cabo por el Gobierno de la Segunda República. El alma del proyecto fue Manuel Bartolomé Cossío (1858-1935), pedagogo krausista español e historiador del arte. Su principal objetivo era, según el decreto del Gobierno de la Segunda República, «llevar con preferencia a las que habitan en localidades rurales, el aliento del progreso y los medios de participar en él, en sus estímulos morales y en ejemplos del avance universal, de modo que los pueblos todos de España, aún los apartados, participen en las ventajas y goces nobles reservados hoy a los centros urbanos».

Las llamaron así, "Misiones". Llevaban libros variados (que luego se quedaban en la biblioteca o en la escuela), realizaban representaciones teatrales (Lope de Vega, Cervantes, Calderón, Alejandro Casona, etc.), proyecciones de películas, audiciones musicales, exposiciones de arte, coloquios sobre salud, educación cívica, etc. Se beneficiaron de todas esas actividades más de 7000 pueblos. Naturalmente, la iniciativa tuvo numerosos partidarios. Pero también muchos detractores, sobre todo a partir de 1934, que pusieron trabas de todo tipo; consideraban que sus promotores eran unos ilusos y que era una forma como otra de perder el tiempo y el dinero. Pero ellos siguieron adelante con gran entusiasmo.

Una niña y un niño leyendo libros traídos por una "Misión Pedagógica"(1932) / [Residencia de Estudiantes]

A G.U. le ha llamado mucho la atención un detalle que desconocía. En lo que respecta a exposiciones de arte, se creó el llamado "Museo del Pueblo". La idea era llevar copias de las obras de los grandes genios de las pintura española a las zonas rurales (donde nunca se había oído hablar de ellas, ni visto, ni había posibilidad de verlas). Se trataba de pinturas de Velázquez, El Greco, Goya y algunos otros, reproducidas bastantes de ellas a tamaño real. De esa tarea se encargaron los pintores Juan Bonafé, Eduardo de Vicente y uno de los ídolos de G.U, Ramón Gaya, que coordinaba todo el asunto. Si ustedes no han visitado todavía el museo que tiene dedicado en Murcia, ya lo saben. Era un gran pintor.

Un camión con algunas pinturas ha pinchado una rueda / Otro camión (o el mismo)  llega a la plaza de un pueblo

El traslado de las obras de pueblo en pueblo era muy complejo, dado que las carreteras eran infames entonces. Se realizaba con camiones (incluso en barcas, a veces), que eran cargados, con las pinturas "debidamente" embaladas, por los llamados "misioneros" (había muchos, del orden de quinientos). Se realizaban exposiciones con las copias de las pinturas. En ellas se enseñaba a los lugareños a observar un cuadro y se les daba cumplida información sobre los autores. La exposición solía permanecer una semana en cada pueblo y a los visitantes se les regalaba una fotografía de las obras. Se dejaban también copias a mayor tamaño para colocar en el ayuntamiento, la escuela o la biblioteca.

Las obras expuestas son visitadas por la gente del lugar. Aquí, Los fusilamientos del 3 de mayo y otras

El pintor Ramón Gaya se ocupó, aparte de coordinarlo todo —una tarea compleja—, de hacer las copias de algunas de las obras de Velázquez, como Los fusilamientos del 3 de mayo o el Retrato de la Infanta Margarita, además de las de otros autores, como El niño Dios Pastor, de Murillo.

Las copias que realizó Ramón Gaya de Los fusilamientos del 3 de mayo y del Retrato de la Infanta Margarita, de Velázquez
Si sabían esto, muy bien, no les decimos nada nuevo. Y si no, aquí está G.U., en "Misión Pedagógica".